Quando parlo di paesaggio, non parlo semplicemente di giardini, di piante, di fiori o di composizioni decorative. Parlo di cultura. Parlo di un modo di guardare il mondo, di interpretare la natura e di costruire un rapporto più profondo tra l’uomo e il luogo in cui vive.

Molti principi che oggi consideriamo moderni erano già stati scritti all’inizio del Novecento. Penso, in particolare, al libro An Introduction to the Study of Landscape Design di Henry Vincent Hubbard e Theodora Kimball. È un testo fondamentale, perché anticipa molte delle teorie del paesagismo contemporaneo. Non è soltanto un manuale: è un libro che insegna a pensare il paesaggio.

In quelle pagine si capisce subito che il paesaggista non deve limitarsi a conoscere le piante o a disegnare un giardino gradevole. Deve osservare. Deve studiare la natura, l’architettura, la pittura, le arti affini, i paesaggi di epoche e paesi diversi. Tutto ciò diventa materia di progetto. Ma l’osservazione da sola non basta: bisogna saper analizzare, capire da dove nasce la bellezza di una composizione, comprendere perché un luogo emoziona, perché una forma funziona, perché un equilibrio ci appare naturale. 

Questo è il punto centrale: il paesaggio non è un giardino “potato all’italiana”, chiuso in una forma rigida, imposto dall’uomo alla natura. Il paesaggio è un giardino che tende verso l’esterno, verso il naturale. Può avere una composizione, può avere una struttura, può avere forme pensate e disegnate, ma deve sempre cercare una continuità con ciò che lo circonda. Il giardino vero non si appoggia sul paesaggio: nasce dal paesaggio.

Per questo dico sempre che il paesaggismo non è decorazione. Non è mettere “fiorellini” e “colorazioni”. Quello è un modo riduttivo di intendere il giardino. Il paesaggista si occupa di bellezza, ma della bellezza in senso alto: armonia, misura, profondità, rapporto tra spazio, natura e vita umana. La bellezza non è un effetto superficiale. È una costruzione culturale.

Hubbard e Kimball spiegano molto bene che il gusto si forma con l’esperienza. Chi ha una sensibilità meno educata tende a preferire effetti evidenti, colori forti, composizioni immediate. Chi invece ha visto, studiato, osservato e vissuto molte forme di bellezza, impara ad apprezzare armonie più sottili, più complesse, più trattenute. Questo vale per il progettista, ma vale anche per il committente. Perché un buon paesaggio nasce sempre dall’incontro tra la cultura di chi lo progetta e la sensibilità di chi lo chiede.

La scuola, naturalmente, è importante. I principi si possono insegnare. Si può insegnare un metodo, una disciplina, un modo di affrontare il progetto. Ma la scuola da sola non basta. Nel paesaggio serve la pratica. Serve il cantiere. Serve il contatto con la terra, con le piante, con i materiali, con il tempo, con gli errori. Puoi avere istinto, puoi avere talento, puoi avere conoscenza, ma se non ti misuri con la realtà non capisci davvero il mestiere.

Anche questo era già chiarissimo in An Introduction to the Study of Landscape Design: il paesaggista deve accumulare conoscenze, ma deve soprattutto imparare a organizzarle. Deve analizzare ogni problema, leggere le condizioni del luogo, valutare le possibilità e arrivare alla soluzione più giusta. La scuola può risparmiarti anni di errori, ma poi le idee devono essere messe alla prova della pratica, sotto la guida dell’esperienza. 

Il paesagismo, infatti, comprende molte discipline. C’è l’architettura, c’è un po’ di ingegneria, c’è l’arte, c’è la filosofia, c’è la botanica, ma soprattutto c’è il nostro modo di vivere e di rapportarci alla natura. Non si può fare paesaggio senza cultura. E non si può fare paesaggio senza sensibilità.

Un altro aspetto molto moderno di quel libro è l’uso dei disegni. Le sue tavole non sono semplici illustrazioni: sono strumenti di pensiero. In un certo senso, sono gli antenati dei rendering di oggi. Allora si usavano il disegno, la prospettiva, il segno manuale; oggi usiamo il computer, i software, le immagini tridimensionali: rendere visibile un’idea prima che venga realizzata. Far capire proporzioni, atmosfera, masse, relazioni spaziali.

Non cambia molto, in fondo, da quello che si fa oggi al computer. Cambia lo strumento, non il principio. Il rendering contemporaneo è l’evoluzione tecnica di quella stessa esigenza: mostrare un paesaggio che ancora non esiste, ma che è già stato pensato.

C’è poi una questione professionale che considero fondamentale. Il paesaggista dovrebbe essere pagato per la sua competenza, per la sua capacità progettuale, per la direzione del lavoro. Non dovrebbe guadagnare percentuali sulle piante, sui materiali o sugli elementi impiegati. Perché, se il guadagno dipende dalla quantità di materiale utilizzato, si rischia di aumentare piante, costi e interventi non perché siano necessari, ma perché convengono economicamente. 

Questo tradisce il senso del mestiere. Il valore del paesaggista non sta nel mettere di più, ma nel mettere il giusto. Non sta nel riempire, ma nel scegliere. Non sta nella quantità, ma nella misura.

Per questo considero il libro di Hubbard e Kimball ancora attualissimo. Perché parla del paesaggio come di una disciplina complessa, fatta di metodo, cultura, esperienza e sensibilità. E perché ci ricorda una cosa essenziale: il paesaggista non deve semplicemente costruire giardini. Deve interpretare luoghi. Deve educare lo sguardo. Deve creare una relazione più alta tra l’uomo e la natura.

Nota finale

Vorrei aggiungere una considerazione, forse scomoda, ma necessaria.

Molto di ciò che oggi viene presentato come pensiero contemporaneo sul paesaggismo era già stato detto allora. Non in forma embrionale, non come intuizione vaga, ma con una lucidità sorprendente. In An Introduction to the Study of Landscape Design di Henry Vincent Hubbard e Theodora Kimball c’è già una visione completa del mestiere: il paesaggio come disciplina culturale, la necessità dell’osservazione, il rapporto tra teoria e pratica, la formazione del gusto, il valore dell’esperienza, il legame con l’architettura, con l’arte, con la natura e con il modo stesso in cui l’uomo abita il mondo. 

Leggendo quelle pagine, si ha la sensazione di non trovarsi davanti a un testo del primo Novecento, e nemmeno a un libro pubblicato nel 1917. Sembra uno scritto di oggi. Anzi, per certi aspetti, sembra uno scritto di domani. Perché molte delle questioni che oggi vengono riproposte come nuove — il giardino naturalistico, la continuità con il paesaggio esterno, la sensibilità del committente, la cultura del progettista, il rifiuto della pura decorazione, il valore etico del mestiere — erano già lì, espresse con chiarezza.

Eppure quasi nessuno lo dice apertamente. Molti, nelle interviste, negli articoli e persino nelle pubblicazioni di libri, sembrano impegnati a “riciclare la ruota”: riprendono principi già formulati, li rivestono di parole nuove, li presentano come intuizioni personali o come conquiste della sensibilità contemporanea. Ma la sostanza era già scritta. Era già disegnata. Era già pensata.

La verità è che in quei testi e in quei disegni c’è già tutto. C’è già il paesaggismo come lo intendiamo oggi, se non addirittura come dovremmo ancora imparare a intenderlo.

Forse il vero problema non è che quelle idee siano superate. Il problema è che non le abbiamo ancora comprese fino in fondo.

Il mestiere del paesaggista è, prima di tutto, un esercizio di misura. Non tanto nel senso della proporzione formale, quanto in quello più sottile del limite: capire fin dove spingersi e quando fermarsi. È un lavoro che si svolge sul confine tra intenzione e ascolto, tra ciò che si vorrebbe costruire e ciò che il luogo è disposto ad accogliere.

A differenza di altre discipline progettuali, qui la materia non è mai completamente disponibile. Il suolo, l’acqua, la vegetazione, il tempo stesso oppongono una resistenza che non è un ostacolo, ma una forma di dialogo. Il paesaggista non disegna solo spazi: negozia con processi vivi, spesso imprevedibili, che continueranno a trasformare il progetto ben oltre la sua realizzazione.

C’è poi una responsabilità silenziosa, che raramente viene dichiarata: quella di lavorare con qualcosa che non appartiene a nessuno, ma che riguarda tutti. Il paesaggio non è proprietà, è relazione. Intervenire significa entrare in una storia che ci precede e che proseguirà senza di noi.

Per questo, forse, il buon progetto è quello che rinuncia a essere protagonista. Non cerca di imporsi, ma di accordarsi. Non lascia segni evidenti, ma tracce discrete, capaci di evolvere nel tempo senza perdere senso.

2020 Non avevo mai sentito il silenzio avere questo colore. Qui, alle Maldive, il bianco non è quello abbagliante delle cave di marmo o delle architetture mediterranee sotto il sole di agosto. È un bianco liquido, sospeso, che si scioglie nell’acqua e nell’aria, e mi costringe a rimettere in discussione ogni gesto progettuale che credevo naturale.

Sono cresciuto tra paesaggi che portano addosso il peso della storia: terrazzamenti, uliveti, giardini costruiti per sottrazione, per misura. Anche quando ho lavorato nei contesti nordici, dove la luce si dilata e il tempo sembra rallentare, c’era sempre un dialogo con qualcosa di stabile: il suolo, la roccia, la memoria. Qui invece il suolo è provvisorio. L’atollo non è un luogo: è un processo.

Progettare in queste condizioni è come scrivere sull’acqua. Ogni decisione deve accettare l’idea di essere temporanea, reversibile. All’inizio mi sono opposto a questa logica: cercavo ancoraggi, forme riconoscibili, persino geometrie che potessero rassicurarmi. Ma l’oceano non tollera rigidità. Ho capito presto che il mio compito non era imporre un disegno, ma leggere un equilibrio già in atto.

La vegetazione stessa mi ha costretto a cambiare sguardo. Niente stratificazioni complesse, niente contrasti stagionali come quelli a cui sono abituato. Qui le piante non costruiscono profondità, ma resistenza: al sale, al vento, alla scarsità di suolo. La loro bellezza non sta nella varietà, ma nella capacità di adattarsi senza apparire fragili. È un’estetica che sfugge al controllo e si avvicina più alla sopravvivenza che alla composizione.

Mi sono accorto che stavo progettando meno e osservando di più. E forse è questa la vera frattura con il mio passato: nei paesaggi mediterranei o nordici il progetto è spesso un atto di interpretazione; qui diventa un esercizio di sottrazione dell’ego. Bisogna accettare che il margine di intervento è minimo, e che la bellezza nasce proprio da questa rinuncia.

L’atollo mi ha insegnato una forma di umiltà che non avevo mai praticato fino in fondo. Non posso pensare in termini di permanenza, ma di relazione: tra acqua e terra, tra vento e vegetazione, tra presenza umana e fragilità ecologica. Ogni elemento che introduco deve essere capace di sparire, o almeno di non lasciare ferite.

Forse, tornando ai miei paesaggi consueti, porterò con me questa lezione. Non per imitare ciò che ho visto qui — sarebbe un errore — ma per ricordarmi che ogni luogo chiede un linguaggio diverso, e che il progetto migliore è quello che riesce a farsi dimenticare, come se fosse sempre stato lì.

In fondo, questo atollo non è un’opera da completare. È una condizione da attraversare.

2019

Maggio 2020

Qui non posso nascondermi dietro il mestiere. Nelle Maldive, l’atollo mi espone: niente muri, niente ombre lunghe, niente profondità da costruire. Solo una linea sottile tra acqua e cielo, che cambia continuamente e non si lascia afferrare.

Vengo da paesaggi dove il progetto aggiunge senso, dove ogni gesto trova un appoggio nella storia o nella materia. Qui invece ogni intervento rischia di essere un’intrusione. L’isola non chiede di essere disegnata, ma appena sfiorata.

All’inizio cercavo di portare ordine, di tracciare segni leggibili. Poi ho capito che l’unico segno possibile è quello che accetta di scomparire. Ho smesso di progettare forme e ho iniziato a lavorare sulle condizioni: il vento, il sale, le radici che tengono insieme ciò che potrebbe dissolversi.

È un paesaggio che non si lascia possedere. E forse è proprio questo che mi sta insegnando: a fare un passo indietro, a lasciare che il progetto sia solo una soglia, non una presenza.

Settembre 2020

work in progress

C’è un momento, alla fine, in cui capisco che il progetto non mi appartiene più. Non è stato l’oceano a insegnarmelo, né la fragilità dell’atollo, ma le mani che hanno lavorato con me. Mani scure, precise, abituate a leggere questo paesaggio senza bisogno di tradurlo.

All’inizio le osservavo come si osserva ciò che non si conosce davvero: con rispetto, ma a distanza. Poi ho iniziato a capire che il mio disegno passava attraverso il loro sapere, e che spesso lo correggeva. Dove io vedevo un limite, loro riconoscevano un equilibrio; dove cercavo una soluzione, loro praticavano un adattamento.

Non è stata solo una collaborazione tecnica. È stata una lezione silenziosa su cosa significhi appartenere a un luogo senza possederlo. Io, straniero anche nel metodo, ho dovuto rallentare, ascoltare, accettare che la precisione non è sempre controllo, ma fiducia.

Porterò via questo più di ogni altra cosa: l’idea che il paesaggio si costruisce anche attraverso chi lo vive da sempre, e che il progetto, per essere giusto, deve sapersi lasciare attraversare da altre intelligenze, altri corpi, altri sguardi.

Forse è questa la conclusione più onesta: non aver finito qualcosa, ma aver imparato a non essere al centro.

Alla fine non porterò via un progetto, ma una misura diversa dello sguardo. Questo atollo mi ha tolto certezze più che darmi soluzioni: mi ha insegnato che non tutto va costruito, che esistono luoghi in cui il paesaggio non si compone ma si ascolta.

Tornando ai miei contesti abituali, so che la tentazione sarà quella di riprendere il controllo, di ridare forma e struttura. Ma qualcosa resterà incrinato, ed è forse il dono più prezioso: la consapevolezza che ogni intervento dovrebbe chiedere permesso, e che la vera qualità di un progetto sta nella sua capacità di non pesare.

Se questo lavoro avrà un senso, non sarà nella sua durata, ma nella leggerezza con cui saprà sparire.

2015 arrivo alle Maldive

Fase iniziale di trasformazione e primi interventi

Ricostruzione del paesaggio

2019

Zona Spa e Relax - Prima e Dopo

Novembre 2020

2020 Conclusione dei lavori e progressione della crescita vegetale

Luglio 2021

Settembre 2021

2024 Maldive

Il Vivaio Atollo

I giardini di Ermanno Casasco non sono allestimenti effimeri, ma opere costruite nel tempo. Progettati, piantati e avviati dieci, quindici, vent’anni fa, si mostrano oggi nella piena maturità del loro disegno. Ogni pianta, ogni linea, ogni relazione spaziale è frutto di una visione che ha saputo attendere, osservare, correggere. Qui il giardino non è spettacolo immediato, ma paesaggio in divenire. Quello che si vede oggi è il risultato di un pensiero lungo, radicato nella terra e nella pazienza. Nessuna improvvisazione, nessuna moda del momento. Solo botanica, misura, intuito.

In un’epoca dominata dall’istante, dalla spettacolarizzazione, dalla riproducibilità e dai rendering, i giardini di Casasco parlano un linguaggio opposto: quello della misura, dell’attesa, della verifica nel tempo. Non seguono le stagioni del gusto, ma quelle della natura. E proprio per questo restano attuali.

A distanza di vent’anni, si avviano nuovi interventi in continuità con il lavoro originario: il paesaggio evolve, il lavoro continua.

Il progetto si riapre: i lavori riprendono là dove il tempo ha custodito visione e coerenza, per scrivere un nuovo capitolo nel paesaggio.

Time as a Gardener

Designed and built over time (10, 15, 20 years ago)

Ten, fifteen, even twenty years after their creation, the gardens designed by landscape architect Ermanno Casasco now speak of coherence, foresight, and lasting quality. Time has not only allowed these landscapes to grow, but has tested — and validated — a design approach rooted in contextual awareness, thoughtful plant selection, and the ability to envision the long-term evolution of each place.

His work is marked by a strong ecological sensitivity and a commitment to sustainability, aiming to create lasting environments that adapt over time and respond to the transformations of the site. Each project begins with a deep reading of the place, avoiding formal impositions and favoring solutions that respect natural rhythms, ecological relationships, and the history embedded in the landscape.

Ermanno Casasco ci insegna che il giardino nasce da un’idea che prende forma mentre cammini, osservi e immagini. È un processo creativo che parte dalla visione: qualcosa che ispira e coinvolge, nei disegni preparatori il cliente spesso crede di comprendere se il progetto sarà di suo gusto. Eppure, quei disegni trasmettono l’entusiasmo della visione, ma Ermanno sà che il risultato reale sarà diverso, perché il giardino è vivo e si trasforma nel tempo.

Il tempo, infatti, è al centro del lavoro di Casasco, sia come maestro che come giudice. È maestro perché insegna come le piante crescano attraverso le stagioni, come si formino gli spazi vuoti e come il giardino cambi con gli anni. Ma è anche giudice inflessibile: un lavoro mal fatto oggi non avrà mai una bellezza duratura. Un giardino appena realizzato può sembrare perfetto, ma è il tempo a decretare se quel progetto funzionerà davvero, trasformando una giovane pianta in un albero maestoso o, al contrario, lasciando che tutto degeneri per mancanza di previsione.

Per Casasco, seguire un progetto non significa solo disegnarlo, ma viverlo. Ricorda l’esempio di Frederick Law Olmsted, che si accampò a Central Park per monitorare da vicino l’evoluzione del suo lavoro. Un progetto di giardino, diversamente da uno architettonico, non si esaurisce con la sua realizzazione. Non è fatto di muri e linee definite, ma è una fantasia, un sogno che si avvera nel tempo. È una creazione fluida, che deve essere seguita e reinterpretata per funzionare davvero.

Ciò che rende unici i giardini di Casasco è la loro capacità di resistere al tempo. Anche a distanza di trent’anni, le sue opere sembrano moderne, come se fossero state realizzate oggi. È significativo poter confrontare fotografie del “prima e dopo” per vedere come i giardini siano cresciuti, rivelando una solidità progettuale che li ha preservati dall’abbandono o dal deterioramento. Casasco stesso, avendo documentato lavori di 30, 40 o 50 anni fa, dimostra come la sua visione abbia saputo guardare oltre, creando paesaggi che resistono, si evolvono e continuano a raccontare la loro storia.

Un aspetto affascinante del lavoro paesaggistico di Ermanno è la metafora della crescita naturale delle piante: “Se il micetto che hai messo lì è veramente un micetto, o sarà interessante vedere se diventerà una tigre o un leone?” Ogni pianta è un’incognita e una promessa. Questo rende fondamentale conoscere il potenziale di crescita e sviluppo delle specie: “La piantina che ho piantato potrebbe diventare un baobab, ma se non conosci il suo comportamento nel tempo, non saprai mai prevedere come si trasformerà.” È questa capacità di intuire il futuro del paesaggio che distingue un giardino vivo da uno statico e progettato senza lungimiranza.

Sono accanto a Ermanno Casasco da anni, osservando il suo lavoro e imparando dalle sue idee sul paesaggismo, che considero una lezione continua. Non è il tipo da ripetere concetti già detti: rifiuta i luoghi comuni e le teorie stantie che molti continuano a proporre nel nostro settore. “Non voglio raccontare oggi quello che dicevo trent’anni fa,” ripete spesso, chiarendo il suo bisogno di innovare e di ancorare il suo lavoro a una visione dinamica e contemporanea.

Un Metodo Essenziale

Ermanno preferisce lasciare che siano i suoi progetti a parlare. “Il prima, il dopo e quello che succede nel mezzo sono fondamentali,” sottolinea spesso. Questo approccio nasce dalla sua formazione negli Stati Uniti, dove ha appreso che il paesaggio non è mai statico, ma vive e si trasforma nel tempo. Ha portato questa filosofia in Italia, adattandola al contesto locale e trasmettendola ai suoi studenti. Nei suoi corsi insiste su un principio chiave: il paesaggismo è un processo pratico. Non basta progettare un giardino; bisogna seguirlo, vederlo crescere, capire come si adatta con lo scorrere degli anni e cosa insegna a chi lo osserva.

Le Origini di uno Stile

Tra i suoi lavori, Bordighera rappresenta un esempio significativo. “È lì che ho sperimentato le idee che avevo portato dalla California,” mi racconta. Negli anni Settanta, ispirato da pergolati, camminamenti e muretti, ha creato spazi che coniugano la funzionalità con una bellezza duratura. Questo approccio, profondamente legato al contesto mediterraneo, rappresenta uno dei primi esempi della sua capacità di fondere innovazione e tradizione.

Il Tempo come Giudice

Per lui, un giardino non si giudica al momento della sua creazione. “Bisogna osservarlo dopo 25 o 30 anni per capire se il progetto funziona,” spiega. Questo lo porta a seguire costantemente i lavori realizzati, come il Parco Negombo o i giardini progettati in Sicilia. “Seguendo la crescita del giardino, imparo qualcosa di nuovo ogni volta,” dice. Questa attenzione continua gli permette di adattare e migliorare il progetto, trasformando ogni errore in un’opportunità di apprendimento.

Un Dialogo con la Natura

Le esperienze in contesti diversi, dalla Russia alle Maldive, gli hanno insegnato che le piante reagiscono in modi inaspettati. “Le piante ragionano come noi, ma in un modo tutto loro,” afferma. “Non possiamo imporre la nostra logica; dobbiamo osservare e ascoltare.” Questo approccio umile e rispettoso riflette la sua convinzione che il paesaggismo non sia un atto di imposizione, ma un dialogo continuo con la natura.

Una Visione Autentica

Non ama i discorsi vuoti. “Il giardino non è solo ‘bello qui’ o ‘bello là,’” sottolinea, “è un luogo di evoluzione, di errori e di correzioni.” È critico verso chi tratta il paesaggio come una semplice questione estetica, senza riconoscere la complessità del suo rapporto con il tempo e l’ambiente. Ogni giardino racconta una storia, un percorso che va seguito e compreso nel lungo termine.

Essere al suo fianco significa imparare che il paesaggismo è molto più che un’arte visiva: è un continuo scambio con la terra, le piante e il tempo. Ogni progetto è una lezione, ogni giardino un laboratorio vivente. Non si limita a creare spazi verdi; costruisce relazioni con la natura e, nel farlo, insegna a guardare oltre il presente, verso un futuro in cui il paesaggio continua a raccontare storie di bellezza e cambiamento.

Quando parlo di Ermanno Casasco, paesaggista di grande visione, mi viene naturale raccontare il suo modo di vedere e i lavori che l’hanno reso noto. Uno dei suoi progetti più interessanti è sicuramente la cantina Lunelli/il Carapace con la scultura  di Arnaldo Pomodoro. Ricordo come Ermanno descrive la lavorazione del terreno: lo scavo iniziale, la montagna di terra accanto e poi, quasi per magia, il giorno dopo la scultura/cantina che sembrava nascere dalla terra stessa, integrandosi perfettamente in un paesaggio che pare non essere mai stato toccato dalla mano dell’uomo. Questo è il suo tratto distintivo: modellare il terreno affinché sembri sempre parte della natura, senza interventi evidenti.

Ermanno ha portato questo approccio anche a Bodrum, dove ha realizzato un progetto complesso che include un laghetto scavato attorno ad una  roccia e una piscina circondata da terrazze che si estendono fino al mare. Ogni volta che parla di questo lavoro, mi trasmette l’emozione di creare spazi in cui l’architettura si fonde con la natura circostante, come se non ci fosse alcuna divisione tra l’opera umana e il paesaggio naturale, e dove l'orizzonte, il paesaggio circostante si fonde con il giardino che si sta costruendo. Anche a Saint-Tropez, ricordo le colline che aveva modellato con le ruspe per dare al terreno un aspetto completamente organico e armonioso.

Uno dei momenti più significativi, a mio parere, è stata la sua riflessione su un giardino realizzato negli anni Ottanta a Bordighera. In quell’occasione, Ermanno aveva sollevato il terreno affinché il prato verde si allineasse perfettamente con l’orizzonte del mare. Mi racconta come questa visione, quella di un giardino che si espande senza confini, fosse per lui fondamentale. E infatti, replicò questo concetto anche a Torba e in altri luoghi come Ayvalik, dove il prato sembra fondersi con l’azzurro del mare, offrendo a chi vi si trova una sensazione di apertura e libertà senza limiti.

Un’altra intervento curioso è stata il Minoa, in Sicilia, dove ha creato una barriera di terra per proteggere il luogo dai venti e celarlo alla vista di case fatiscenti in lontananza. Così, una volta entrati, si viene accolti in un mondo separato, un angolo speciale e nuovo, in cui sembra di essere trasportati lontano dal tempo presente. Al Baglio d’Elia, sempre in Sicilia, il suo lavoro assume un valore ancora più simbolico: mentre sistemava le pietre insieme a un giovane siriano, il ragazzo osservò che sembrava che le pietre parlassero tra loro. Anche l’operatore della ruspa notò la stessa cosa, affermando che la disposizione creava un dialogo silenzioso tra gli elementi, come se ogni pietra fosse portatrice di una storia da raccontare.

Ermanno è critico verso alcune scelte estetiche comuni nei giardini moderni. Mi parla spesso della sua riluttanza a usare le graminacee, nonostante la loro bellezza immediata. Le considera piante effimere, incapaci di contribuire alla creazione di un giardino che possa durare e crescere negli anni. “Un giardino vero,” dice, “deve essere un’eredità.” Mi spiega che piantare alberi è un gesto di cura per il futuro, un ponte tra generazioni. Come i nostri antenati ci hanno lasciato maestosi alberi che oggi ammiriamo, così dobbiamo pensare a chi verrà dopo di noi. Un esempio toccante che spesso cita è quello degli alberi piantati a Montruglio dal padre di Fulceri, i cui discendenti oggi godono della loro ombra e bellezza.

La sua visione del giardino ideale è chiara: non dove essere limitato da recinzioni, ma aprirsi verso il paesaggio, verso il cielo, cancellando i confini visibili. Questo senso di infinito e libertà è parte integrante del suo lavoro, un’idea che trasforma ogni spazio in un’esperienza unica, dove la mente può spaziare senza ostacoli.

Parlando di Ermanno, mi rendo conto che le sue opere sono più che semplici giardini; sono racconti che intrecciano natura, tempo e memoria. Lavori che, a distanza di decenni, non perdono la loro essenza, ma anzi, crescono e maturano insieme a chi li vive. Visitabili e vivibili dopo venti e trenta anni dalla loro realizzazione.

Ermanno Casasco ha realizzato opere in cui il mare e la linea dell’orizzonte diventano elementi centrali, capaci di suggerire uno spazio che si estende oltre il visibile e invita all’immaginazione.

Nei suoi progetti, il mare appare spesso come sfondo di giardini che dialogano con l’ambiente naturale, in armonia con la sua visione paesaggistica che integra gli spazi verdi con il contesto circostante.

Casasco ha inoltre un approccio al design del giardino come un’opera in evoluzione: uno spazio che, a distanza di vent’anni, svela nuove dimensioni, mutato dalla crescita naturale delle piante, dal tempo e dall’intervento discreto della natura.

Per lui, tornare su un giardino creato anni prima è come riscoprire un’opera viva, un racconto visivo che continua a cambiare nel tempo.

È un racconto in divenire, dove ogni pianta e ogni forma rispondono a quella prima visione ma aggiungono sfumature che solo gli anni possono dare, portando a una nuova profondità e complessità che arricchisce il paesaggio.

Ermanno Casasco e il Programma “Il Sabato”: Un Modello Didattico Visivo e Innovativo; anni 80 Rai 2

Durante la mia esperienza come paesaggista, ho avuto l’opportunità di condividere molte delle mie idee attraverso la televisione, in particolare con la trasmissione “Il Sabato”. Questo programma è stato un progetto ambizioso, un modo per portare il pubblico nel mondo della progettazione del verde in modo accessibile e visivamente coinvolgente. L’idea era quella di trasmettere la conoscenza in due fasi: prima esploravamo insieme al pubblico le caratteristiche delle piante e dei giardini, e poi ci concentravamo sulla progettazione vera e propria.

La chiave per rendere il tutto comprensibile era l’uso di plastici tridimensionali. Attraverso questi plastici, riuscivo a visualizzare le idee per il pubblico, mostrandogli come un giardino poteva evolversi nel tempo. I modellini permettevano di spiegare concetti che, senza una rappresentazione visiva, sarebbero rimasti astratti. Grazie a questi strumenti visivi, gli spettatori potevano comprendere come un terreno spoglio potesse trasformarsi in un giardino rigoglioso. Il concetto di “prima e dopo”, che usavo spesso nel programma, semplificava il processo, ma rendeva chiaro come le piante, col tempo, potessero arricchire uno spazio in modi che non si potevano immaginare a colpo d’occhio.

Plastici e Strumenti Visivi: Un Approccio Didattico Unico

Una delle mie peculiarità è sempre stata quella di rendere visibile l’invisibile. Nei miei interventi al programma, oltre alle spiegazioni teoriche, mi piaceva far toccare con mano l’evoluzione di un progetto, soprattutto grazie all’uso dei plastici. Questi modellini tridimensionali non erano solo una rappresentazione statica del giardino, ma un vero e proprio strumento didattico. Mostravano la distribuzione delle piante, i percorsi, le aree funzionali e il modo in cui il progetto si sarebbe sviluppato nel tempo. Accompagnavo i modellini con fotografie che documentavano la trasformazione del giardino non solo nel “prima e dopo” immediato, ma anche nel “dopo venti anni”, per mostrare l’impatto della crescita naturale e l’importanza di una visione lungimirante.

Questo metodo mi permetteva di far capire quanto sia essenziale tenere in considerazione la dimensione temporale in un progetto di giardino. Un giardino non è mai “finito” quando si pianta l’ultima pianta, ma è un processo continuo, che muta e si evolve con il tempo. La crescita delle piante, le stagioni, il clima, tutto contribuisce a trasformare l’ambiente, ed è questa visione dinamica che ho cercato di trasmettere durante le mie apparizioni televisive.

Il Valore della Visione a Lungo Termine nella Progettazione del Verde

Ripensando ai miei progetti, mi rendo conto che la lungimiranza è uno degli aspetti più importanti del mio lavoro. Adesso, a distanza di vent’anni dalle mie prime realizzazioni in Sicilia, Ischia e Turchia e in altri posti del mondo, mi piace tornare in quei luoghi e vedere come il tempo ha trasformato gli spazi che ho creato. È emozionante documentare la crescita delle piante e verificare le scelte fatte allora. Ad esempio, ho spesso utilizzato piante originarie dell’Africa e dell’Australia per adattarle a contesti mediterranei, ma ogni progetto è sempre stato unico, e ho cercato di esplorare altre specie che potessero offrire nuove possibilità estetiche e funzionali.

Questo costante desiderio di esplorazione e sperimentazione mi ha permesso di evitare la trappola di ripetere sempre le stesse soluzioni. Ogni nuovo giardino è stato per me un’opportunità di crescita, un puzzle da risolvere con attenzione e creatività. La soddisfazione più grande, oggi, è vedere come i giardini che ho progettato continuano a vivere, mutare e sorprendere, testimoni della visione a lungo termine che li ha originati.

2022

Quartiere del comune e distretto di Bodrum, provincia di Muğla, Turchia. La sua popolazione è di 2.671 abitanti. Torba è un villaggio sul mare situato a circa 6 km a nord-est della località turistica di Bodrum. Le colline sono ricoperte di uliveti e pinete.

2022

Alba è una città del Piemonte nota per il tartufo bianco. Il Duomo, ricostruito in stile gotico, dispone di un campanile da cui ammirare panorami cittadini. Poco lontano, la Chiesa di San Giovanni Battista ospita opere d'arte a partire dal XIV secolo. Il Museo Federico Eusebio presenta manufatti dalla Preistoria all'epoca romana, oltre a una sezione dedicata alla storia naturale.

2020

 Ermanno Casasco ha contribuito alla progettazione di un atollo alle Maldive . Un Resort rinomato per la sua bellezza naturalistica e lussuosa, che fonde armoniosamente design contemporaneo, comfort e rispetto per l’ambiente circostante.

Qui ha sicuramente giocato un ruolo fondamentale nel plasmare l’esperienza dei visitatori, creando ambienti paesaggistici unici che si integrano perfettamente con l’atmosfera tropicale dell’atollo. La sua firma può essere riconosciuta attraverso l’uso sapiente della vegetazione locale, la disposizione degli spazi esterni e l’attenzione ai dettagli che caratterizzano il resort.

Qui Casasco si è distinto nella sua capacità di introdurre nuove specie vegetali , tra cui la palma del viaggiatore (Ravenala madagascariensis), anche conosciuta come “traveller’s palm”. Questa pianta dalle foglie larghe e simili a quelle di una palma è originaria del Madagascar ma può essere coltivata con successo in molti climi tropicali e subtropicali. La sua presenza aggiunge un elemento esotico e distintivo al paesaggio, arricchendo la biodiversità e contribuendo alla creazione di ambienti suggestivi e accoglienti.

Vengono qui anche adoperate varietà di Areca . Le piante di Areca, appartenenti al genere Arecastrum, sono palme ornamentali originarie delle regioni tropicali dell’America Latina. Queste piante sono apprezzate per le loro foglie eleganti e per il loro aspetto decorativo, che aggiungono un tocco di esotismo e vivacità agli spazi verdi. L’uso di diverse varietà di questa pianta nei progetti di Casasco contribuisce a creare una varietà di texture, colori e forme nel paesaggio, arricchendo così l’esperienza visiva e sensoriale dei luoghi.

2015

Yalıkavak un tempo era un placido borgo di mare abitato prevalentemente da cercatori di spugne e da pescatori, ultimamente ha invece valorizzato la propria relativa distanza da Bodrum, riuscendo così ad attrarre una clientela più esclusiva e composta quasi prevalentemente da turchi.

2014

La Val Camonica  è una vallata  della Lombardia orientale, in provincia di Bergamo e Brescia, una delle più estese delle Alpi Centrali